- Сферы русской культуры, в которых явно
видно падение (искусство, музыка, архитектура, кино, театр, …….,
образ жизни)
- связь с основополагающим началом - религией
- связь с другими сторонами жизни (переориентация с созидательной
на потребительскую деятельность)
- замена искусства псевдоискусством, массовым товаром
- потеря русских обрядов, праздников, обычаев, одежды.
- Связь с закатом культуры Запада.
- Параллели с историческими
событиями (место в мировой истории)
20 век можно охарактеризовать тем,
что он вверх дном перевернул все стороны жизни русского человека,
разрушил столетиями сложившиеся нравственные устои и духовную жизнь.
Зададимся вопросом: с чем связан такой переворот? Ответить однозначно
затруднимся, но проследить постепенно нарастающие глубинные изменения
в русской культуре вполне возможно.
Культура - материальные и духовные
достижения, опыт и знания.
XX век - век технический, вытеснил
мир духовный. Начнем с того, что в последние 50-70 лет не было на
русской земле ни композиторов, ни писателей, ни художников, если
иметь в виду истинных творцов культуры. Несомненно талантливые люди
продолжают рождаться в России, но их таланту невозможно раскрыться,
потому что нет школы, нет людей, способных передать им те необходимые
знания, которые накапливались тысячелетиями. С каждым десятилетием
таких людей все меньше и меньше. Как сказал когда-то Крамской (его
слова актуальны и на сегодняшний день) об обучении художников: "Мастерские
и школа. И то и другое должно дать или государство, если оно русское,
или общество, если оно существует. Государство не даст теперь потому
что оно не русское, общество не даст, потому что его вообще еще
нет, а если и есть несколько десятков человек во всей России, то
они так разбросаны и места их жительства так мало известны..." И
это было немногим более ста лет назад. Увы, все умерло не в преддверии
XXI века, а уже в конце XIX века. И Лаврушинский переулок давно
опустел…
Ведь культура прежде всего подразумевает
ОПЫТ. Чем древнее государство, тем богаче его культура. А мы сейчас
со своей то многовековой историей забыли свою культуру и перенимаем
чужой опыт бедного культурой государства. Государства, которое существует
то немногим более двухсот лет. Зачем нам чужая культура? Зачем мы
свои ценности меняем на дешевую подделку? Конечно, золото можно
заменить на желтый металл, бумагу. Но не жизнь же! Иначе получается,
что и существуем мы тоже ради обогащения и денег. И чтобы нам все
было доступно и дешево. Но на самом то деле дешево и доступно становится
только то новое, что мы переняли, а свое истинное, незыблемое мы
заперли в музеях, продали за границу ради бумажек, ради временного
благополучия. Да, этот опыт художественного, музыкального мастерства
уже не живет среди людей, он забыт, похоронен. А восстановить традиции
не только неимоверно сложно, но и порой просто невозможно.
XX век - век материального обогащения,
свел все потребности человеческие к низменным, почти физиологическим,
а продукты его труда стали принимать исключительно материальную
форму. При чем форма также потеряла эстетику и гармонию, скорее
обезобразилась, что наверное и есть отражение нашей души. Духовное
уродство породило материальное.
В архитектуре прежде были: внешняя
красота, внутреннее удобство и здоровый климат помещений, сейчас
мы наблюдаем практически везде: внешнее геометрическое однообразие,
отсутствие единого стиля, внутреннюю и внешнюю отделку дешевыми
однообразными материалами искусственного происхождения. Раньше строили
на века из добротного материала, люди ощущали комфорт в домах. Сейчас
порой сразу же после строительства помещение требует ремонта, а
само понятие "дом" стало подразумевать четыре бетонных стены квартиры.
В изобразительном искусстве - это
замена настоящего псевдоискусствами (авангард, футуризм, импрессионизм,
кубизм, абстракционизм), служащими прежде всего для материального
обогащения. Картины превратились в товар, имеющий свой "брэнд".
А самое ужасное, что потеряны не только теория и техника живописи,
но и идеи, объединяющие народ - то, что может быть воплощено в искусстве
и нести из поколения в поколение нравственные и эстетические законы.
Уже в конце XIX века происходила переориентация жанров в живописи.
Во временном отрезке истории это выглядит следующим образом.
Древняя Русь и средневековье (искусство
и религия единое целое и являются неотъемлемой частью мировоззрения
каждого человека)
Декоративно-прикладное искусство,
орнаменты со стилизованными изображениями, символами языческой славянской
мифологии находили себя прежде всего в народном творчестве, умения
применялись в основном в быту: оформление домашней утвари, резьба
по дереву, наличники домов, орнамент одежды. При этом изображались
символы славянских богов, которым поклонялись: Даждьбог, Сварог,
Рожаница и т.п. (в которых была закодирована информация о природных
явлениях и закономерностях жизни, накопленный опыт в познании мира).
Символы и знаки охранительного характера были основой любого орнамента:
небесные хляби в домовой резьбе, символ матери-природы в орнаменте
славянской одежды, а также символизированные изображения местных
трав и деревьев [2]. В принципе не было каких-то известных имен
народных умельцев, поскольку при каждом селении существовали артели,
а самым основам были обучены практически все (с малых лет дети включались
в общий семейно-производственный процесс, что было обусловлено жизненной
необходимостью натурального хозяйства: девочек обучали шить и вышивать,
мальчиков мастерить и т.п.). К сожалению каких-либо книг по обучению
не создавалось, потому что умения и знания передавались с опытом,
т.е. была преемственность мастерства.
Таким образом, в русской жизни из
глубокой древности сложилось свое видение мироустройства, которое
нашло свое отражение в искусстве и архитектуре, сложились национальные
традиции (в том, что изображать (символы духовной жизни славянина)
и как изображать (приемы и правила композиции, формы).
Понять эти приемы можно только анализируя
оставшиеся памятники народного творчества и архитектуры. Прежде
всего нужно отметить, что "композиция в Русской традиционной архитектуре
в значительной степени основывалась на специфическом применении
симметрии". В древнерусском творчестве и архитектуре "широко применялись
как классическая, так и неклассические симметрии".
После принятия христианства на Руси
искусство было прежде всего церковным и следовало, как и христианская
идеология, строгим общепринятым канонам (иконографии). Из Византии
вместе с иконами и книгами в древнерусский символьный орнамент проникают
чуждые Руси символы, такие как пальметта, виноградная лоза, акант,
которые вы можете наблюдать и сейчас в декоративном убранстве зданий
и церквей, созданных в стиле, например, европейского барокко. Широкий
размах получила иконопись. Иконописцев основательно готовили мастера.
У русских иконописцев обучение рисунку проходило очень строго. Ведущие
мастера составляли "сборники правил и законов построения изображения
- иконописные лицевые подлинники" [1]. Росписью икон и храмовой
живописью занимались выходцы из народа, но уже известны наиболее
яркие личности, такие как Андрей Рублев, Феофан Грек. Как в Древней
Руси, так и после принятия христианства искусство и религия неотделимы
(как и другие сферы жизни), по Соловьеву: искусство "растворено
в мистико-религиозной сфере". Русь вплоть до эпохи Петра I продолжала
находиться под влиянием Византии, древнеславянские традиции и приемы
сохранились, а языческие и христианские символы и обряды, перемешиваясь,
продолжили свое существование до XX века.
Эпоха Петра I (разделение искусства
и религии, эпоха господства разума и гуманизма, наука прежде всего,
религия вторична, "искусство ради искусства")
Искусство постепенно отделяется от
церкви, больше становится светским, много взято у европейцев (а
в Европе со времен Возрождения происходит "секуляризация интеллектуальной
жизни (отказ от влияния религии)" [3], но начальному мастерству
живописцы все же учатся на образах. После введения обязательного
художественного образования и создания Академии художеств, в методику
обучения живописи и рисунку внесены европейские традиции. Русские
художники штудируют "антиков" (античные древние скульптуры), пишут
мифологические сюжеты Греции, Италии, Рима. В Россию направлены
европейские учителя. Таким образом Россия наследует умения и технику
живописи старых европейских мастеров эпохи Возрождения. Основное
внимание программами обучения уделено технике рисунка и живописи.
Учителя и профессора Академии постоянно совершенствовали методы
преподавания. Техника доведена до изумительного мастерства. Выпускники
Академии получают золотые медали и материальные поощрения, возможность
поездок за границу, статус профессоров [1]. В это время происходит
небывалый взлет русского реалистического искусства.
"А XVII-XIX, XX века характеризуются
прогрессирующим отходом сначала от традиционного православного благочестия,
а затем и от веры в Бога верхних слоев русского общества - аристократии;
позже - разночинной интеллигенции; в конце концов и простого народа.
Отход этот от православия начался в ХVII в., когда в Москву из Киева
хлынул поток монахов, обученных в латинских школах, а из присоединенных
в середине ХVII в. западных областей - ремесленников. Увлеченная
внешней стороной европейской жизни значительная часть русского общества,
первоначально не отрекаясь от ВЕРЫ и ЦЕРКВИ, "отреклась от ОБРАЗА
ЖИЗНИ, к которому звала Церковь", и Царь возглавил эту часть общества.
Все остальное явилось следствием этого отступления" [3].
Вторая половина XIX века (переходный
период, на фоне политических страстей в стране разрушение системы
художественного образования)
Наиболее талантливые художники продолжают
обучаться в стенах Академии, однако сам процесс обучения начинает
обрастать "рутиной". На начавшееся недовольство обучающими программами
и методами преподавания в Академии также сказывается влияние происходящих
в стране событий.
Поскольку художники отражают в своих
работах то, что чувствуют, на наиболее сильные в духовном плане
личности не могли не откликнуться на события, происходящие в царской
России. В 60-е годы по всей России развернулась борьба против крепостного
права, вся страна ждала коренных изменений, но их не последовало.
"Это вызвало гнев и возмущение передовых людей. Отмена крепостного
права 1861 года оказалась хитрой игрой царского самодержавия, а
"освобождение" крестьян - новой формой грабежа и надругательства"
[1]. Передовые художники обратили внимание на данное положение вещей.
Художники видят будущее в восстановлении
национального начала в обучении, хотят найти свое место в общественной
жизни, определить назначение своего искусства, в своих полотнах
хотят отражать действительную жизнь, а Академия наоборот отгораживала
их от реальности. 1863 гoдy aкaдeмичecкий Coвeт зaдaл вceм кoнчaющим
Aкaдeмию oднy и тy жe тeмy из cкaндинaвcкoй мифoлoгии - "Пиp в Baлгaллe".
Четырнадцать учеников просили разрешения писать картины на сюжеты
русской истории и отразить чувства, мысли и чаяния русских людей,
но им было отказано. Xyдoжники, oтcтaивaя cвoe пpaвo нa caмocтoятeльнoe
твopчecтвo, дeмoнcтpaтивнo вышли из Aкaдeмии. Организовано Товарищество
передвижных выставок во главе с И.Н. Крамским [5].
В связи с событиями, происходящими
в обществе участники товарищества переходят на изображение сцен
из русской действительности, они создают ряд произведений обличительного
характера, вскрывающих темные стороны действительности, волнующие
сердца людей. "Найти правильный выход из создавшегося положения
могли лишь художники, сильные духом, успевшие понять высокое предназначение
искусства. Большинство же художников либо продолжало безропотно
следовать ложному академизму, либо отвергало всякую школу и начинало
творить без всяких правил и законов" [1].
Искусство теряет "салонность" и приобретает
скорее "злободневность". Большее внимание уделяется тому, что рисовать,
а не технике. Таким образом, созданная не одним поколением художников
и мастеров система образования пошатнулась.
XX век (на фоне уничтожения религии
окончательное проникновение формалистического искусства в Россию,
старинная техника и мастерство реалистического искусства разрушены,
упадок настоящего искусства, распространение псевдоискусства, искусство
как товар)
В XX веке через общеобразовательную
систему в Россию проникают самые различные техники, формы и методы
преподавания искусства, основанные "на буржуазных и мелкобуржуазных
педагогических теориях западноевропейских и американских ученых.
Методика преподавания рисунка, живописи, композиции уже стала меньше
интересовать учителей школ". "И.Е. Репин прекрасно понимал отсталость
царской академии и в то же время беспочвенность и реакционность
формалистического искусства, которое было направлено на уничтожение
школы, на отказ от оправдавших себя методах преподавания. Многие
молодые русские художники стали увлекаться модным западноевропейским
искусством, которое не признавало никакой школы. Строгая система
художественного образования, которая столетиями складывалась, пошатнулась.
Среди новейших направлений особенно широкое распространение в художественных
учебных заведениях получает импрессионизм" [1].
Импрессионизм отодвигал на второй
план обучение рисунку. Главным было поймать впечатление. Вот наиболее
характерные концепции и методы всех пейзажистов-импрессионистов:
"выбирайте натуру, соответствующую вашему темпераменту. Подходите
к мотиву с точки зрения формы и цвета, а не рисунка. Нет необходимости
обрисовывать форму, которую можно выявить без этого. Точный рисунок
сух и нарушает впечатление целостности, он уничтожает все ощущения.
Не обозначайте слишком точно контуры предметов; мазок, правильный
по цвету и силе, должен создать рисунок. при изображении массы не
так трудно детализировать контур, как писать то, что заключено в
нем. пишите самое существенное в характере вещей, старайтесь передать
это любыми средствами, не беспокоясь о технике. Когда пишете, выберите
предмет, посмотрите, что находится справа и что слева, и работайте
надо всем одновременно. Не пишите кусочек за кусочком, а пишите
все сразу, накладывая краску мазками правильного цвета и силы, учитывая,
что находится рядом. Используйте мелкие мазки и пытайтесь фиксировать
свои впечатления немедленно. Глаз не должен сосредоточиваться на
одной точке, а должен видеть целое, наблюдая за отражением красок
на всем, что их окружает. Работайте в одно и то же время над небом,
водой, ветками, землей, стараясь, чтобы все продвигалось в равной
мере, и непрестанно перерабатывайте, пока у вас не получится то,
что нужно. Покрывайте холст с первого же захода и затем работайте
над ним до тех пор, пока вы не увидите, что больше нечего добавить.
Как следует наблюдайте за воздушной перспективой от переднего плана
до горизонта, за отражениями неба, листвы. Не бойтесь накладывать
краски, отделывайте работу постепенно. работайте не согласно правилам
и принципам, а пишите то, что видите и чувствуете. пишите щедро
и уверенно, так как нежелательно терять полученное первичное впечатление.
не робейте перед лицом природы, надо быть смелым, даже рискуя обмануться
и наделать ошибок" [6].
"Один из крупнейших художников предреволюционной
эпохи Серов с болью говорил об отсутствии у техники - "рукомесла".
Последними большими мастерами были Брюллов, Бруни, Иванов. Уже Чистяков
не владел тем мастерством, о котором он пытался говорить своим ученикам.
Передвижники заботились только о том, что писать, не уделяя достаточно
внимания тому, как делать вещь, но они все еще являлись наследниками
опыта старой академической живописи, их искусство сохраняло хоть
элементарную, но подлинную грамотность. В связи с целым рядом исторических
и экономических причин искусство вступило на тот аналитический путь
второй половины XIX века, который отмечен БЕСКОНЕЧНОЙ ДИФФЕРЕНЦИАЦИЕЙ
ЦЕЛОСТНОГО ОРГАНИЗМА ИСКУССТВА. Это привело к его глубокому упадку,
результаты которого мы болезненно изживаем и сейчас. Что же говорить
об учениках нашего времени, которые, о образному выражению Прянишникова,
"подобны щенкам, брошенным в воду - слабые потонут, сильные выплывут".
Эти "сильные", выплывая из трясины собственного незнания, вырабатывают
зачастую индивидуальные приемчики и манерностью прикрывают свое
техническое невежество. Бесконечное многообразие таких маньеристов
свидетельствует О РАЗЛОЖЕНИИ ЕДИНОГО МАСТЕРСТВА, об отсутствии метода.
Одним из путей, способствующих разрешению труднейших технических
проблем, являлось и явится всегда критическое использование всего
огромного опыта предшествовавших поколений - преемственность. Нет,-
преемственность не убивает оригинальности,- наоборот, она дает только
необходимый простор и свободу для работы. Таким образом, техническая
свобода расширяет и круг самого творчества. Я знаю, что с этим многие
не согласятся,-у нас еще очень живы тенденции творчества без знаний,
- но стоит только сравнить такое "творчество" с подлинно-мастерскими
произведениями, и спор будет излишен. Интересно и поучительно проследить
постепенное накопление технических знаний, хотя бы на примере 15-18
веков, во Фландрии и Голландии. Мы видим, как один и тот же прием,
варьируясь и совершенствуясь, дает возможность создавать такие вещи,
которые мы в настоящее время можем объяснить только утраченной "тайной".
Тайны, конечно, не было. Было только внимательное и любовное отношение
к своему делу, покоившееся на прочном основании проверенного опыта.
В те времена высота технического мастерства создавала тот общий
уровень, который давал возможность даже мастеру среднего дарования
превосходить современных наших даровитых, но мало-умеющих художников.
Что же говорить о человеке талантливом, вооруженном всем необходимым
запасом знаний. Вспомним Рубенса. Все богатство его творчества,
взошедшего на дрожжах предшествующей художественной культуры, дало
результаты поистине потрясающие. Он и его ученики не боялись в подчинении
канону потерять собственное лицо, и, несмотря на единообразие приемов,
на пользование одними и теми же материалами, все они являются для
нас ярко выраженными индивидуальностями" [4].
В результате влияния с Запада, новых
направлений в искусстве (в т.ч. импрессионизма), особое развитие
получает такой жанр, как пейзаж, при этом главным считается "поймать
впечатление". Вводится повсеместно в моду так называемый "конспективный
стиль" в живописи (письмо крупными широкими мазками и пятнами, без
прорисовки деталей), заимствованный у импрессионистов. Например,
в такой манере писали: Серов, Левитан, Коровин. Этот метод вплоть
до нашего времени является основной техникой, применяемой современными
художниками, как и метод аля-прима. В результате влияния с запада
антихристианских идей и стилей ("модерн" из искусства Востока),
символизм, абстракционизм в России появляются последователи: Врубель
как один из первых, Кандинский, Малевич.
Таким образом, XX век начинается двумя
крупными потерями в реалистическом искусстве: первая - художник
теряет способность представлять в голове полностью образ будущей
картины во всех деталях и вместо развития зрительной памяти срисовывает
с натуры, но поскольку передача минутного впечатления означает "поймать
момент", техника должна быть "конспективной", то есть прорисовка
мелких деталей становится трудновыполнимой задачей; вторая - преподавание
техники живописи постепенно сводится только к одной - тому самому
конспективному методу и методу аля-прима.
Мифологические, религиозные, исторические
и вообще жанровые сцены из жизни покидают художников. После революции
остаются только коммунистические темы и пейзажно-портретная живопись,
причем спрос на портреты с изобретением фотографии очень сильно
упал. Таким образом навсегда теряется связь изобразительного искусства
и религии, техника живописи навсегда потеряна. Более того искусство
теряет свое предназначение. Еще в XIX веке во Франции был открыт
Салон, чтобы художники могли выставлять свои произведения на продажу.
Наиболее популярными у населения были: хорошенькие ню, сентиментальные
сюжеты и т.п. Населению явно не хватало понимания искусства. В результате
это бешеной популярностью пользуется так называемое формалистическое
искусство, привлекая тем, что талант может появиться неожиданно
у любого человека и учиться для этого не нужно, что это тайна, раскрыть
которую невозможно.
"С возникновением формалистического
направления, когда художники стали отвергать академические правила
и законы, да и вообще всякие нормы в искусстве, искусство стремительно
пошло по нисходящей. Давая характеристику художникам этого направления,
И. Е. Репин писал: "Это царство развязной бездарности, анархистов
в живописи. С легкой руки французов-импрессионистов, потом декадентов
здесь развилась и разнуздалась чернь живописи. Особенно пришлись
по сердцу новые правила этому легиону мазил. Учиться - не надо;
анатомия - чепуха; рисунок - устаревшая каллиграфия; добиваться,
переписывать - самоуничтожение; компоновать, искать - старый, рутинный
идиотизм". Дальнейшее развитие формализма привело искусство к тупику,
к полной бессмыслице, ярким примером чего может служить абстракционизм"
[4].
Что же представляет собой формалистическое
искусство?
Можно прочитать в замечательной книге Бердяев Н. Кризис искусства (скачать)
1. Ростовцев Н.Н. История методов обучения рисованию.
Русская и советская школы рисунка. - М., Просвещение, 1982, 240
с.
2. Рыбаков Б. А. Язычество древних славян.
3. А.Е.Федоров. Симметрия в Русской традиционной архитектуре.
4. Моро-Вотье. Заметки по технике живописи. Под редакцией В.Н. Яковлева.
- М., Издательство АХР, 1929.
5. И.Е. Репин. Далекое близкое.
6. Джон Ревалд. История импрессионизма. - М., Издательство "Республика",
1994.
7. Александр Медведев. Похищение Европы.
|
